31 de enero de 2010

Detective Comics 858 al 860. Reseñas comiqueras de actualidad.





La primera colección con más de 70 años a sus espaldas, en publicar las primeras historias de Batman, tras la "muerte" de Bruce Wayne, ha dejado paso a un personaje de nuevo cuño, Batwoman, creado por Greg Rucka, guionista de la serie, en el evento de 2007 del universo DC, llamado "52". Un personaje a explorar, del que poco se conocía hasta ahora, y publicitado por los medios, por su homosexualidad.





Tras los primera saga en Detective Comics, de 4 números, mi sensación fue agridulce, ya que el equilibrio entre guión y dibujo no era el correcto. El dibujante J.H.Williams, es uno de los mejores dibujantes de la actualidad, pero además, y lo que hace que sea mejor que el resto, es su capacidad para la composición de página. cada página suya es una obra de arte, merecedora cada una de ellas, de adornar cualquier museo. Este autor, ya lo había demostrado en "Promethea" de Alan Moore, donde asombró al aficionado con su capacidad para cambiar su estilo dependiendo de lo que necesitara la historia. Pero cambiando su estilo en la forma, no en el fondo, que es de lo que se trata. Pero los guiones de esta primera saga, dejaban mucho que desear, porque en el fondo no te contaban nada. Eran cómics para la vista, pero que su lectura se olvidaba a los 5 minutos, porque no te contaban nada.


Pero la siguiente saga, a la que todavía le falta un número para concluir, ya es harina de otro costal. En esta, Rucka nos desvela el origen de nuestra protagonista, y en paralelo sigue desarrollando la historia comenzada en la anterior saga. Gracias a los flashbacks, los personajes toman cuerpo, la historia queda clara y empezamos a coger cariño a los protagonistas de la historia. A su vez, Williams sigue demostrando sus dotes como narrador, usando dos estilos diferentes para contar el pasado y el presente, homenajeando en la historia del pasado, al David Mazuchelli de Batman: Año Uno, mientras en la historia del presente, nos vuelve a deleitar con páginas y dobles páginas que son la envidia de cualquier dibujante, gracias a su dominio del diseño y la planificación de página.




Por lo que nos encontramos con otro tebeo del universo de Batman, muy recomendable, por sus guiones cada vez mejores, y sobre todo por el dibujo de Williams, que solo por él merece la pena comprarlo.

30 de enero de 2010

Caprica:episodios 1 y 2. Series de Televisión.


Caprica, la esperada precuela de la mejor serie de ciencia ficción jamás emitida, Battlestar Galactica,llega con la intención de narrar las causas que llevaron al conflicto entre humanos y cylons, de indagar en las raíces religiosas plantadas en la serie original, y desarrolladas pero no suficientemente explicadas en su polémico final.

Hay que decir también, que si el fan de Galactica, espera más de lo mismo saldrá muy decepcionado. Caprica no tiene nada que ver en apariencia con la serie original, siendo su estética deudora de películas como "Gattaca", es decir una ciencia ficción noir, de estilo retro-futurista. Los personajes de este spin-off, son completamente nuevos, alguno de ellos antepasados de personajes fundamentales de la anterior serie, como el padre de William Adama, e incluso la infancia de este último.


Pero el fondo sigue siendo el mismo. Los temas e inquietudes de su creador Ronald D. Moore, siguen intactos. Volvemos a tener conflictos generacionales de padres a hijos, el recurrente tema de si los humanos somos merecedores de considerarnos dioses y crear vida, el conflicto de qué es lo que nos hace humanos, y que se considera ser humanos, sigue latente, reflejado esta vez en la creación de los que serán los enemigos de los humanos, los cylons, rodeado todo ello de una sociedad avanzada pero que ha perdido el horizonte, debido a los peligros de la tecnología.

Los valores de producción, siguen siendo de referencia para una serie de tv. Los diseños de producción para representar Caprica son espléndidos, los actores principales hacen un buen trabajo, y la trama engancha, tanto si eres un espectador novato, como si eres seguidor de Galactica. Lógicamente, el fan recibirá mayores recompensas, debido a los guiños que Caprica tiene para con él.



Una propuesta interesante,ciencia ficción inteligente, y que si se desarrolla correctamente lo planteado en estos dos primeros episodios, puede convertirse, en otra gran serie de ciencia ficción y una digna sucesora de la serie original de la que parte. Un buen comienzo.

29 de enero de 2010

Gotham City Sirens 7 y Batman Streets of Gotham 7. Reseñas comiqueras de actualidad.



Dos de las nuevas series de la línea Batman, aparecidas tras la ¿muerte? de Bruce Wayne y la saga "Battle for the cowl", donde Dick Grayson heredó el uniforme de hombre murciélago, tienen un nombre en común: Paul Dini, guionista, que mano a mano con el dibujante Bruce Timm, crearon una de las mejores adaptaciones e interpretaciones del caballero oscuro, "Batman:The Animated Series", en el año 1992, sabiendo recrear y reinterpretar a lo largo de 4 temporadas, todas las versiones del hombre murciélago, creando una serie de dibujos animados, que siendo para todos los públicos no era infantil, ya que es disfrutable por cualquier rango de edad, demostrando un conocimiento y un amor por el personaje fuera de toda duda.



Por lo que, estas dos series, que ya llevan medio año entre nosotros, son un ejemplo del buen hacer de Dini. La primera de ellas, Gotham City Sirens, es una serie ligera, protagonizada por 3 ex-villanas, tan famosas como Catwoman, Poison Ivy y Harley Quinn. Este último número, número autoconclusivo de navidad, es un buen ejemplo de lo que es la serie: Buenas historias, sencillas, bien contadas, divertidas y con un trío de personajes e invitados especiales muy atractivo. Si a esto le sumamos, a los lápices como dibujante regular de la serie, al genial dibujante español Guillem March, y en este número a otro de nuestros talentos nacionales, David López, que ya se encargó de los últimos números de la añorada serie Catwoman, como dibujante invitado, tenemos el cómic sorpresa del año, dentro del universo del hombre murciélago. Si no la seguís en su versión original, no dudéis en comprarla cuando la edite Planeta de Agostini en formato tomo a lo largo del 2010.



La otra serie en la que participa Dini a los guiones, es "Batman: Streets of Gotham", serie coral, sin un protagonista fijo, donde los protagonistas pueden ser cualquiera de los múltiples y fascinantes personajes de la ciudad de Gotham, tanto héroes como villanos. El número que nos ocupa, tiene como protagonistas a Batman y Robin, tras la pista de un asesino de niños huérfanos. En esta serie, Dini abandona su tono ligero, para contarnos historias más urbanas y oscuras, en comparación con su trabajo en Gotham City Sirens, pero con el mismo resultado positivo. Le ayuda a crear esa atmósfera, el cada vez mejor dibujante Dustin Nguyen, que ha pasado de ser una promesa, para convertirse en uno de los mejores dibujantes regulares de la actualidad, con un estilo que mezcla, sin copiar, lo mejor de Mike Mignola y Eduardo Risso, con un trazo limpio, y en el que el contraste entre luces y sombras, es su marca de la casa.

Dos buenas series, que demuestran que el universo del hombre murciélago está en buenas manos, y pasando uno de los mejores momentos de los últimos años.

Batman 692 al 694 USA.Reseñas comiqueras de hoy.



ATENCION: CONTIENE SPOILERS PARA AQUELLOS LECTORES QUE SIGUEN LA EDICIÓN ESPAÑOLA.

La serie principal del hombre murciélago, tras la ¿muerte? de Bruce Wayne, sigue las aventuras del sucesor de este, Dick Grayson, el primer Robin, que recoge el manto de su mentor. Esta colección, tras los acontecimientos de la saga "Battle for the Cowl", y tras tres números mediocres y olvidables guionizados por Judd Winick, recupera el ritmo perdido, en manos del dibujante Tony Daniel, que aquí se encarga tanto de las ilustraciones, como del guión, y el resultado es satisfactorio.






Nos encontramos con un cómic correcto, que en tres números nos recuerda, a etapas pasadas y añoradas como las realizadas por Steve Englehart y Marshall Rogers, en los años 70, y ahora recopiladas por Planeta de Agostini, en su colección Clásicos DC; Batman, y a otra etapa que yo recuerdo con mucho cariño, de finales de los 80, guionizada por John Wagner y Alan Grant a los guiones, y dibujada por el hoy olvidado Norm Breyfogle. Aquellas etapas, igual que la iniciada aquí, se podrían definir con dos palabras: honestas y humildes. No son cómics que busquen los premios, revolucionar el medio, ni siquiera contar la mejor historia del personaje jam´s contadas, sino que únicamente, hacer pasar un buen rato al lector, y que los 3 dólares que cuesta cada ejemplar esté bien invertido, lo que no es poco. 






Tony Daniel, dibujante más que escritor, sorprende en su paso a los guiones, con una historia sencilla pero atractiva, que demuestra que el autor ha hecho los deberes, usando a personajes de todas las épocas de su historia (Hugo Strange, Black Mask), recupera personajes solo recordados por los lectores que disfrutamos las historias del personaje allá por los años 80 (The Reaper), homenajes al uniforme del personaje en la famosa película The Dark Knight de Christopher Nolan, y recuperando ese aire de cómic de aventuras y más ligero, que el personaje había perdido, a favor de unas historias más "realistas", que Grant Morrison ya inicio hace unos cuantos años.






El dibujo de Tony Daniel, sin ser el no va más, mejora en relación con su anterior etapa en la colección, guionizada por el mencionado Grant Morrison, narrando sus propios guiones con efectividad y soltura.






En resumen, una colección correcta y divertida, que no defraudará a los fieles seguidores del personaje,entre los que me incluyo.

28 de enero de 2010

Cine: 10+1 excentricidades de la década parte 2 de 2.



REPO! THE GENETIC OPERA, de Darren Lynn Bousman (2008).


Esta ópera rock musical, deudora de la famosa "The Rocky Horror Picture Show", también una ópera rock, estrenada en los años 70, podría ser la película más bizarra dentro de esta particular selección. Con un argumento delirante,un ecléctico reparto en el que se encuentran figuras de culto de la televisión, como Anthony Head (Giles en la serie Buffy), el actor Paul Sorvino, y la polémica ¡¡Paris Hilton!!, sus dosis de gore desatado y unas canciones geniales, todo ello mezclado en una batidora que mezcla sin pudor, influencias del cómic, el anime, la anteriormente citada Rocky Horror, toneladas de sangre y vísceras,  un cierto regusto gótico y un mundo futuro inspirado entre otras por Blade Runner, es una cita ineludible para el cinéfilo sin complejos, que tristemente se estrenó de tapadillo a principios del año pasado. Si podéis, no dudéis en echarla un ojo. Es divertidísima en su propia locura auto-consciente.




SOUTHLAND TALES, de Richard Kelly (2006).


La segunda película del genio y nueva promesa detrás de una de las mejores películas de la década pasada, "Donnie Darko", intenta el más difícil todavía, llevando un paso más allá la propuesta planteada en su anterior filme, realizando su particular "Pulp Fiction", e incluso una reinterpretación de la famosa "Vidas Cruzadas" de Robert Altman, bañada en ácido lisérgico, filosofía sobre el sentido de la vida, viajes temporales, mesías atípicos, sexo, política, ciencia ficción, cine social y su particular visión del fin del mundo,un hecho este, que realmente no acaba, sino que ocurre todos los días. El resultado, es el delirio absoluto, que provoca y provocó bandos enfrentados,(yo me encuentro entre los que les parece fascinante, aunque somos una minoría), ya que sin ser una película perfecta (le sobra metraje y ambición), es una propuesta refrescante, arriesgada y original, dentro del aburrido panorama en líneas generales, del cine actual. Otro estreno, que nunca tuvo lugar en nuestro país. Así nos va.










SPEED RACER, de los hermanos Wachowsky (2008).



El siguiente proyecto de los hermanos Wachowsky, tras 5 años desaparecidos tras el injusto recibimiento que tuvieron las secuelas de Matrix, incomprendidas, y que el paso del tiempo las pondrá en el lugar que se merecen, fue la adaptación perfecta del famoso anime de los años 70, Speed Racer, o como se conoció en nuestro país, Meteoro. Su propuesta fue de nuevo ignorada por el público, en favor de las más convencionales y grises "Indiana Jones y la Calavera de Cristal", y "Iron Man", y machacada y vapuleada por la crítica, que no entendieron lo que los hermanos consiguieron. Una película familiar para todos los públicos, disfrutable a cualquier edad, siendo la única película que ha sabido y entendido trasladar el lenguaje de la animación japonesa, al cine occidental de imagen real. Auténticos visionarios, con un estilo visual a años luz de sus contemporáneos,unos planos que por sí solos son auténticas obras de arte, y un riesgo formal inaudito para una superproducción, consiguieron crear una película a contracorriente de las modas imperantes, y fracasaron. Pero como los grandes genios, su obra será revalorizada por generaciones futuras.




THE SPIRIT de Frank Miller (2008).



La primera película del famoso y otrora gran guionista y dibujante de cómics Frank Miller, autor de los cómics en los que se basaron éxitos cinematográficos tales como "Sin City" de Robert Rodríguez y "300" de Zack Snyder, usando la técnica Power Point (calcar el cómic plano a plano,y ponerle movimiento, sin plantearse que el lenguaje del cómic y el del cine son diferentes, y que lo que es válido en uno, puede ser ridículo en el otro), decidió dar el salto a la dirección. Y tuvo la osadía de elegir como su primer proyecto, la adaptación del cómic más famoso del autor más importante de la historia del cómic, Will Eisner, muerto hace pocos años, y que para más inri, era amigo y mayor influencia de Miller. Este consigue, como "homenaje" a su amigo y mentor, perpetrar el mayor acto terrorista de la historia del cine, dirigiendo, por llamarlo de alguna manera, un sinsentido hortera, dirigido de manera torpe, egocéntrica, con un guión absurdo, diálogos y personajes de verguenza ajena, que podría ostentar perfectamente el título de peor película de la historia del cine. Y ahí está su gracia. La película es tan ridícula, tan mala, tan todo, que es imposible no pasar un buen rato, riéndote de ella. Llega un punto en el que no sabes ya, si en el fondo no es una tomadura de pelo auto-consciente del propio Miller, que en el fondo timó a productores y a público, entregando basura, recubierta de un presupuesto alto y actores de primera en papeles imposibles (Samuel L. Jackson, Eva Mendes, Scarlet Johanson).Verla para creerla. Miller debe seguir riéndose de todos.





TIDELAND de Terry Gilliam (2005).



La obra más polémica del ex-Monty Python, Terry Gilliam, guarda no pocos puntos comunes con "inland Empire" de David Lynch, reseñada en la primera parte de esta selección, no en temática, sino en intenciones. Esta es, la obra absoluta de Terry Gilliam, para lo bueno y para lo malo. Este cuento de hadas retorcido e incómodo, con momentos y situaciones que pueden provocar el rechazo y la indignación de gran parte del público, debido a alguno de los temas escabrosos que trata, es la obra no cumbre de Gilliam, ya que tiene mejores películas, y esta adolece de ritmo y pretensión, pero si la que mejor refleja el camino que ha adoptado Gilliam en su cine. Un cine cada vez más impenetrable, hecho para el disfrute no ya de sus incondicionales, sino exclusivamente para el suyo propio. Gilliam no pretende que te guste, ni que el espectador entre en su juego, no se lo pone fácil, pero he de reconocer que es una de las obras más atípicas de la década pasada, que tiene momentos de gran cine, pero que peca de algo que, en el fondo, es inherente a la persona y la obra de Gilliam. El exceso y el ombliguismo.




YOUTH WITHOUT YOUTH de Francis Ford Coppola (2007).



La obra que nos devolvió a Coppola, tras 10 años de silencio creativo, y que inexplicablemente sigue inédita en nuestro país (que una película dirigida por el autor de "El padrino", o "Apocalipsis Now", no sea estrenada clama al cielo, y demuestra la necedad y la falta de cultura de los encargados de las distribuidoras en nuestro país), puede ser la obra más críptica de su director, pero también una de las más originales y personales de su filmografía. Partiendo de una premisa inquietante, un anciano interpretado por un magnífico Tim Roth, es golpeado por un rayo a la salida de un café, y además de no morir, comienza a rejuvenecer). Coppola, despista y descoloca al espectador, con una historia que mezcla fantasía, relaciones de pareja, espionaje y el aprendizaje de culturas arcaicas, en un bello y extraño cóctel, visualmente fascinante, sobre todo en su primera mitad, pero que flaquea en su último tercio, lo que la convierte en una película que podría ser una obra maestra, pero que se queda en un maravilloso experimento. SI eres fan de Coppola, o del buen cine, intenta dar con ella. Merece la pena.








27 de enero de 2010

Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick.



EYES WIDE SHUT (1999).


Stanley Kubrick fue, es y será uno de los mejores directores, incluso podría decirse que es el mejor director de cine de la historia. Cada obra suya, y cada una de un género diferente, revolucionó lo hecho hasta entonces y cambió los convencionalismos de cada género que tocaba. Tras obras tan diferentes y magistrales como 2001, La Naranja Mecánica, Barry Lyndon, El Resplandor y La Chaqueta Metálica, obras que tocaban todos los géneros, ciencia ficción 2001, la visión de un futuro distópico La Naranja Mecánica, el género histórico y de época Barry Lyndon, el terror con el Resplandor, y el cine bélico en La Chaqueta Metálica, Kubrick quiso adentrarse en el género erótico, pero a su particular manera, y el resultado fue Eyes Wide Shut.


Para ello, Kubrick adaptó la novela "Relato soñado", del escritor Arthur Schnitzler de 1926, traspasándola a la época actual,ya que la novela representaba la sociedad vienesa de finales del siglo XIX, pero siguiendo con extrema fidelidad la novela original. Solo dos escenas, como la fiesta del principio,que en la novela la pareja la comentan en la famosa escena de la confesión de ella, y el personaje de Ziegler, interpretado por Sidney Pollack, no pertenecen al escrito original. 











Para la pareja protagonista, Kubrick quería una pareja real, y en esa época, nadie mejor que Tom Cruise y Nicole Kidman, matrimonio por aquel entonces. Y no se equivocó. Ambos están inmensos en sus personajes, pero quiero romper una lanza a favor de Tom Cruise, ya que de lo poco que salvó la crítica de la época, ya que fue una película menospreciada en su momento, fue la interpretación de Nicole Kidman. No voy a decir que no lo hace bien, ya que su monólogo contando su fantasía bajo los efectos de la marihuana es genial, pero quien lleva el peso absoluto de la película es Tom Cruise, el verdadero protagonista de la historia, ya que casi no hay un plano en el que él no aparezca. SI él no hubiera funcionado, la película no habría funcionado, y en esta, Cruise está sobresaliente, demostrando que es un actor con un grandísimo potencial, pero que necesita de un grandísimo director para poder controlarlo, y no permitir que saque su vena histriónica, que la tiene y mucha. En esta película está contenido, pero consigue mostrarnos todo el  abanico de estados de ánimo y sentimientos.











Hablaba anteriormente, refiriéndome a la laureada interpretación de Kidman, que la película fue recibida con tibieza tanto por la crítica como el público. Era una película esperadísima, ya que Kubrick llevaba 12 años sin dirigir, interpretada por la pareja de moda en el momento, Kidman y Cruise, en una película que tenía como tema central el sexo, lo que acrecentaba el morbo del público, y además Kubrick murió pocos meses antes del estreno del filme. Las expectativas puestas en el largometraje eran muchas, y la visión que se tenía de él era muy diferente a lo que fue, ya que todo el mundo esperaba que fuera una película erótica casi pornográfica y explícita visualmente. Pero no lo fue, porque Kubrick no estaba interesado en eso, y apunto yo, menos mal.











Menos mal, porque Kubrick era un hombre con una visión muy particular del mundo, y su incursión en el sexo y las relaciones de pareja no iba a ser menos. El autor irrita a todos aquellos espectadores que esperaban y deseaban visionar un espectáculo erótico/pornográfico, bajo la excusa de ver una obra de Kubrick, (a lo que a esas personas les digo que se dejen de hipocresías, y se vean una película pornográfica, y se quiten los complejos de lo que es moral y socialmente aceptable), y les golpea con una obra que provoca e incomoda, pero no por lo que muestra, sino por lo que sugiere.


La película se podría resumir en pocas palabras. Una pareja de clase media-alta, completamente aburguesada y que siguen juntos por comodidad, ve tambalear su relación porque la mujer confiesa haber tenido una fantasía con un hombre que vio en unas vacaciones. A partir de ahí, el marido devorado por los celos, se enfrenta a todas y cada una de sus fantasías inconfesables. 











Pero no solo es lo que se cuenta, sino como se cuenta, y en esto último, Kubrick es un genio muy por encima de cualquiera. La estructura de la película es impecable, muy parecida a La Naranja Mecánica, donde si pudiéramos doblar la película físicamente por la mitad de su metraje (siendo el centro de la obra, la famosa escena de la orgía), veríamos como los acontecimientos de la 1º mitad de la película se solapan con los de la 2º mitad, pero vistos por un prisma distorsionado, es decir, son las dos caras de una misma moneda. Todo ello, envuelto por un ambiente de sueño/pesadilla, remarcado por la fotografía del largo, donde toda ella tiene una atmósfera de sueño febril, haciendo pensar al espectador, tras su visionado, si todo lo ocurrido y acontecido en ella, es real o meramente una ilusión o distorsión desde el punto de vista del personaje de Cruise, trastornado por los celos y sus fantasías inconfesables e irrealizadas.


En la obra, Kubrick toca todos los miedos y tabúes alrededor del sexo de nuestra mojigata sociedad actual, y como las represiones para parecer social y moralmente aceptables, se difuminan cuando no somos vistos y actuamos en el anonimato (reflejo de ello es esa orgía en la que todos los participantes van cubiertos con terroríficas máscaras venecianas).











Es innumerable, la cantidad de escenas magistrales que atesora la película: la primera, en la que con muy poco, mientras los protagonistas se cambian para ir a una fiesta, y solo con imágenes, Kubrick nos demuestra la situación en la que se encuentra dicha pareja, como ejemplo, mientras Kidman orina, Cruise se arregla la corbata en el baño. Ya no hay misterio en esa pareja, la cotidianeidad y la confianza mal entendidas, que nos muestra la falta de pasión y deseo que esa pareja se profesa. La escena en la que Kidman confiesa su infidelidad en su cabeza, las visiones de Cruise atormentado imaginando a su mujer con el hombre de sus fantasías, la magistral y terrorífica escena de la orgía, dirigida y planificada hasta el extremo, el momento necrofílico de Cruise acercándose en el depósito de cadáveres a la mujer que salvó de una sobredosis al principio del filme, y que se convierte en la mujer de sus deseos y fantasías, y que refleja y representa ante todas las mujeres/tentaciones, que aparecen a lo largo de la película. Todo ello, para llegar a una conclusión que deja más dudas y preguntas, que respuestas al espectador, dando lugar al debate y a la controversia, que es lo que toda buena obra de arte tiene que dar, una vez degustadas.











Es redundante decir, que el uso de música clásica en la película, es magistral, ya que Kubrick lo ha conseguido en toda su obra, siendo el Martin Scorsese de la música clásica. Elegidas con extremo acierto, y más aún, haciéndolas suyas, como si realmente no las estuviera usando, sino que hubieran sido creadas expresamente para el largometraje. A destacar "Musica Ricercata,II" de Gyorgi Ligeti, que nos acompaña durante casi todo el filme, y que con una única nota de piano, crea una tensión y un ambiente inquietante.


Poco más puedo añadir, únicamente decir, que nos encontramos con la obra póstuma del cineasta, otra obra maestra en su currículum, y una verdadera lástima que no siga entre nosotros, para seguir ofreciéndonos cine con mayúsculas, y para enseñar a todos los aprendices de director, que en la actualidad hay muchos, lo que es y significa hacer cine.


Os dejo un enlace de mi blog amigo, Destino:Placer, donde os proponen una visión del filme desde la perspectiva de una profesional de la terapia de pareja y la sexología. No dudéis en visitarlo.




26 de enero de 2010

Cine: 10+1 excentricidades de la década Parte 1 de 2.

Este último mes, todas las revistas, blogs y páginas sobre cine, han hecho sus listas sobre lo mejor y peor de la década, los mejores directores, actores, etc....que yo también quiero hacer, y próximamente publicaré, pero nadie ha hecho una lista con lo más bizarro, extraño, y curioso, para bien y para mal, que se ha estrenado en la última década. En esta lista hay películas que me apasionan, otras que me parecen curiosas pero fallidas, y desastres absolutos, pero tan entrañables, que les tengo cariño de lo malas y excéntricas que son. Sin más preámbulos, vamos con la lista, que no tiene ningún orden, de más a menos excéntrico, ya que todas ellas lo son en la misma medida.







ANTICHRIST, de Lars Von Trier. (Antichrist, 2009).


Es imposible no empezar esta lista, si no es con la última obra del enfant terrible del cine europeo. El cineasta danés, que encendió las iras de la crítica y el público en Cannes, nos vomita todos sus traumas y complejos en dos horas de auténtico delirio, que empieza como una disección pseudo-psicológica de lo que significa la pérdida de un hijo para sus padres, para acabar convirtiéndose en una orgía gore, que ni el propio Von Trier sabe lo que al final ha querido transmitir. La película, imposible de definir, ya que pertenece a muchos géneros y a ninguno, y aún siendo completamente irracional, no deja de tener grandes momentos, como la sobrecogedora escena del inicio del filme, una auténtica lección de cine, y cuando la acción se traslada a la cabaña en el bosque, la inquietud que transmite el bosque, rodado magistralmente por Von Trier, y la brutal, surreal y genial escena donde los dos protagonistas, unos excelentes Willem Dafoe, y Charlotte Gainsbourg, hacen el amor bajo un terrorífico arbol, del que salen brazos y piernas de mujeres. Un plano para el recuerdo. En su contra, tenemos un guión sin pies ni cabeza, una explicación psicológica de andar por casa, y lo que es peor, que va de pedante, una escena que pertenece ya a la antología del absurdo, que es el momento en el que el personaje de Charlotte Gainsbourg descubre porqué su hijo puede ser el título de la película, gracias a unos ¡¡¡zapatos!!!, mutilaciones genitales absurdas e innecesarias, aunque quiera venderlas como metáforas trascendentes, y un plano final que me encantaría que me explicara. Con todo esto, merece la pena verla, ya que es una experiencia completamente diferente.







GRINDHOUSE, de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez (2007)


El homenaje a las dobles sesiones de películas de serie Z de autocine y de sala de barrio que realizaron Tarantino y Rodríguez (el primero Death Proof, el segundo Planet Terror), estrenadas igualmente en Estados Unidos en sesión doble, con trailers falsos de películas que no existen, creados expresamente para la ocasión, y que el público europeo no pudo disfrutar, ya que debido al fracaso de taquilla en su país de origen, la distribuidora decidió estrenarlas separadas para hacer doble caja, e intentar recuperar parte del dinero invertido, son dos de las películas más divertidas y frescas de la última década, y de la carrera de sus directores (Planet Terror es la mejor película de Rodríguez). Disfrutables única y exclusivamente por fans del terror gore de más baja estofa, entre los que me incluyo, las dos obras son un juguete caro en manos de dos adultos realizando las películas que hubieran querido hacer cuando eran adolescentes, siendo la más acertada Planet Terror, aunque Death Proof tiene de los mejores momentos y escenas de la filmografía de Tarantino. A redescubrir.







INLAND EMPIRE, de David Lynch (2006).


La última obra de mi director favorito, es la mayor marcianada del genial director americano. Película para disfrute único y exclusivo de su autor, y de sus incondicionales, entre los que me incluyo, Lynch lleva al paroxismo, su ya de por sí extremo estilo narrativo y visual, con un largometraje creado a partir de elementos y escenas sueltos que fue rodando con su cámara digital, sin un guión previo,lo que da como resultado la obra más inclasificable, autorreferencial, personal y bizarra vista en mucho tiempo en una sala de cine. A lo largo de 3 horas, Lynch mezcla de manera excepcional, todas sus obsesiones, con un estilo feísta, que no feo, debido al uso de una cámara digital, y contando una historia que mezcla realidad, dobles realidades, sueños, e incluso ¡¡¡conejos humanos siniestros!!! dentro de una sitcom, para contarnos la pesadilla de una actriz en el Hollywood actual. Lynch crea su obra cumbre, que no perfecta, ya que tiene mejores obras, pero que resume y lleva al extremo todas sus propuestas anteriores. La pregunta que queda tras verla, es ¿qué consume este hombre? y ¿qué puede hace para superar y sorprender esto?. Espero con ansia que nos de una respuesta en forma de un nuevo largometraje.







IRREVERSIBLE, de Gaspar Noé (2002).


La película del provocador Gaspar Noé, es un puñetazo en la boca del estómago al espectador desde los primeros minutos del filme, y lo peor y a la vez mejor, es que no te suelta, y permanece en tí una sensación sucia, largo tiempo después de que los créditos finalicen. Es una película, que aún siendo magistral en su puesta en escena, y en el tema que trata, es de difícil recomendación para cualquier persona. La brutalidad y dureza de sus imagenes, no son plato de buen gusto para el espectador, y como ejemplo, la espeluznante violación a la que es sometida el personaje de Monica Belucci,de 10 minutos de duración y rodado con un plano fijo, impide al espectador no perderse detalle de la desgarradora escena, dejándole impotente ante las imágenes. Contada desde atrás hacia delante, deja un peor sabor de boca cuando finaliza. Excepcional película, con una mirada derrotista y cínica hacia nuestra sociedad actual, pero que he visto una vez, y no se si me atrevería a volver a visionar. La recomiendo, ya que es una película original y de referencia, pero que no se si todas las personas podrán llegar al final de la proyección.






LA JOVEN DEL AGUA, de M. Night Shyamalan (Lady in the Water, 2006).


El cuento de hadas adulto y realista de este director de origen hindú, que no tuvo el beneplácito ni de crítica ni de público, debido a una errónea campaña de marketing, es la menos convencional, de la obra ya de por sí nada convencional de este genial director. El salto de fé que pide el director al espectador, para que entre en la historia, es arriesgado, ya que el público entró a la sala a ver una película fantástico-terrorífica, y se encuentra con un cuento de hadas para adultos desencantados de la vida, en un entorno cotidiano y vulgar (una urbanización de derribo en un pueblo americano), y un mensaje que no queda muy claro al adormecido público que abarrota las salas de cine. Para los que entramos en su juego, nos encontramos una bellísima película, completamente diferente a todo lo que se realiza en la actualidad, y demostrando que Shyamalan es un director necesario en el acomodado y vulgar Hollywood actual.

Esto es todo por hoy. Mañana terminaré la lista, con las 5+1 películas que se han ganado el lugar dentro de lo más extravagante y bizarro de la década.




25 de enero de 2010

Scalped Vol.5 High Lonesome Reseñas comiqueras de hoy.



SCALPED VOL.5: HIGH LONESOME (SCALPED 25-29 USA).

Brutal, sucia, negra, descarnada, cínica y violenta. Con estas palabras, se podría resumir la nueva propuesta del sello para lectores adultos de la editorial DC Comics, Vertigo. Serie negra elevada a la enésima potencia, en un entorno novedoso, una reserva india. 

Esta obra, creada y guionizada por el prometedor Jason Aaron, escritor de nueva hornada, pero que le auguro un futuro prometedor, tras esta su primera obra larga tras casi tres años al frente de ella,nos narra la historia de Dashiell "Dash" caballo terco, un joven indio, que vuelve a su reserva tras huir de joven, para trabajar con el líder tribal, Cuervo Rojo, mafioso que controla la reserva, para encontrarse con la muerte de su madre, a manos de alguien desconocido. Lo que nadie sabe, es que Dash es un agente encubierto del FBI. A partir de este planteamiento, Aaron, introduce al lector en la historia de esta reserva, nos presenta a los personajes que la habitan, cada uno con sus fantasmas del pasado, cosas que ocultar, y demonios internos, sin juzgarlos, presentándolos al lector, de la manera más objetiva posible. Nadie es malo ni bueno, cada personaje tiene sus razones para actuar como actuaron, y porqué deciden lo que deciden.



La obra es violenta, pero no la violencia a la que nos hemos acostumbrado, y anestesiado, con autores como Garth Ennis en "Predicador", o "The Boys", o Mark Millar en "The Authority", o "Wanted", una violencia gore pero de dibujo animado, al fin y al cabo, tan grotesca y extrema que solo puede provocar la risa en el lector, o la violencia estilizada de "100 Balas" de Azzarello y Risso. Ambos autores y las obras que he destacado, son magníficas en sus respectivos ámbitos, pero la violencia que transmite y presenta "Scalped", es brutal, y lo es porque es real, sin artificio, sin exagerar. Es cruda y directa, sin ironias y distanciamientos de cualquier tipo. A eso ayuda, el arte del dibujante regular de la serie R.M.Guera, autor correcto, de trazo sucio, que complementa a la perfección los guiones de Aaron. Guera no está ni quiere lucirse, sino que está para trasladar los guiones de Aaron a la perfección.

En cuanto al tomo que nos ocupa, nos encontramos con 5 números que se podrían considerar unitarios, ya que aunque continúan la trama principal, bien podrían leerse como ejemplares separados y completos en sí mismos, ya que cada número está dedicado a un personaje en concreto, tanto principales como secundarios, ya que en esta obra todos tienen la misma importancia, y todos están desarrollados de manera espléndida. 



Lo grandioso es, que en un tomo que parece que es un descanso del desarrollo de la trama principal, para coger fuerzas y seguir, nos encontramos con una de las revelaciones más importantes de lo que llevamos de colección, y con el prólogo de las cosas que vendrán. Además, en este tomo en particular, y en la serie en general, Jason Aaron ha conseguido trascender los tópicos del género negro, ya que sus personajes todos ellos estereotipos de la novela negra, han dado un paso más allá, y se han convertido en seres humanos de carne y hueso.

No dejéis pasar la oportunidad de disfrutar de esta magnífica serie, la mejor colección de la línea Vertigo en la actualidad, y uno de los mejores cómics del mercado actual. No os defraudará.

23 de enero de 2010

Universo DC Supergirl nº 2 Reseñas comiqueras de hoy.


UNIVERSO DC SUPERGIRL 2 de 4 ( Supergirl 24 al 41 USA, Resurrection Man 16 y 17 USA y Yonug Justice 12 y 13 USA).

La colección Universo DC de Planeta, recopila series que no han sido publicadas en su totalidad, o han quedado inéditas en nuestro país por circunstancias editoriales, en voluminosos ejemplares (500 páginas aproximadamente), a un precio justo, 25 euros, (cada número incluído en el tomo sale a más o menos 1 euro), dando la oportunidad al lector y coleccionista, de conseguir series inéditas a un precio económico, y en muy poco tiempo.

En esta ocasión, la serie elegida es Supergirl de Peter David, colección aparecida en la década de los 90, y que tuvo una duración de 80 números, aquí divididos en 4 volúmenes. Esta serie apareció en España a finales de los 90, por la editorial mejicana Vid, que era la que ostentaba los derechos de publicación del material de DC Comics en esos momentos, pero solo publicó 4 tomos que recopilaban 16 números de la colección, con una edición, traducción y rotulación, francamente horrible, por lo que el anuncio de Planeta de la edición de esta serie, me alegró, ya que lo que pude leer me llamó poderosamente la atención.



Su guionista, Peter David, autor capaz de lo mejor y lo peor, entre lo mejor su famosa etapa en la colección Hulk, que duró la friolera de casi 10 años, redefinió al personaje, y lo puso en el punto de mira de autores a seguir, tiene como gran virtud, y en Supergirl lo demuestra, de sacar oro de personajes pobres y de segunda, gracias a la claridad con la que se enfrenta a un proyecto, teniendo muy claro todo lo que va a contar, un don para el desarrollo del personaje principal de la historia, siempre en evolución, el excepcional elenco de personajes secundarios que rodean al protagonista, que muchas veces son más interesantes que el principal, dominio para plantear preguntas al lector, y la maestría para dosificar las respuestas. Es un autor que demuestra el control que tiene sobre aquello que está contando.

En los números incluídos en este segundo tomo de la colección, mantiene el nivel del primero, y nos encontramos como dibujante a Leonard Kirk, sustituto de Gary Frank, tras el primer año de la colección. Kirk no es tan espectacular como Gary Frank, pero lo que le falta de espectacular, lo suple con una narración más fluida. Es un dibujante correcto, que narra notablemente lo que David plasma en los guiones. Es espectacular cuando la historia lo pide, e intimista cuando lo requiere. En definitiva un buen artesano, de los que hacen falta.



David sigue desarrollando la historia, y excepto en los números que pertenecen a crossovers, donde baja el nivel por injerencias editoriales, hace pasar al lector un muy buen rato. Hay que decir a su favor, y eso demuestra su talla como guionista, que incluso en los números que pertenecen a crossovers, sabe llevarlo por su camino, e integrarlos en la historia que él quiere contar. Súmale a eso, un verdadero conocimiento de la historia del Universo DC, igual que demostró en su paso por Marvel, y tenemos como resultado una colección notable, que no debería pasar desapercibida para el lector habitual del género de superhéroes.

Nine de Rob Marshall.Reseña de actualidad.


Nine, la tercera película de Rob Marshall, director de Chicago, y tras el batacazo tanto artístico como taquillero de la adaptación del best-seller "Memorias de una Geisha", vuelve al terreno donde recibió los mayores reconocimientos de su carrera, el musical, con la adaptación del musical de Broadway del mismo nombre, que a su vez es la adaptación de una obra italiana que adaptaba la famosa película autobiográfica de Federico Fellini, "8 1/2".

Rodeado de un reparto por el que cualquier director daría uno de sus brazos (Daniel Day Lewis, Penélope Cruz, Sofía Loren, Nicole Kidman, Kate Hudson y Marion Cotillard), la película nos cuenta los miedos y ansiedades de un director de cine consagrado, (Day Lewis), que sufre un bloqueo creativo, y su relación tormentosa con todas las mujeres de su vida.



Marshall, en esta su última obra, intenta superar los hallazgos de su anterior propuesta en el musical, con un salto al vacío, en el que mezcla números musicales, flashbacks del pasado y la historia del rodaje de la película, tratando de llevar el concepto del musical a un nuevo nivel, pero fracasa.

Fracasa porque este Nine, tiene todas las papeletas para ser un caballo ganador, es como un guiso cocinado con los mejores ingredientes (un gran reparto, glamour, una historia dentro del cine, una ciudad evocadora, Roma, un diseño de producción, vestuario, escenografía, fotografía, apabullantes), pero realizado por un cocinero novato y excesivamente ambicioso. Y el guiso se le pasa por recargarlo con demasiados ingredientes.



La historia que nos cuenta, un buen punto de partida, es narrado a tres bandas (la narración convencional, los números musicales y los flashbacks en blanco y negro con el pasado del director interpretado por Day Lewis), pero en vez de complementarse, se pisan los unos a los otros, y en vez de hacer que la narración fluya, hace que avance a trompicones.

Ayuda a que el filme no sea un desastre absoluto, el trabajo de su reparto, donde todos, excepto Nicole Kidman,(los estragos del botox están pasándole factura, que la han convertido en una muñeca chochona sin ninguna expresividad), dan el 100% de sus habilidades, aunque Day Lewis roce en algunos momentos el histrionismo, como en la horrible "Pozos de Ambición". El problema, es que ninguno de los personajes, sobre todo los femeninos, tienen suficiente tiempo en pantalla para poder ser desarrollados como se merecen, convirtiendo al largometraje en puro fuego de artificio, con estética de videoclip y en algunos momentos como el número musical de Kate Hudson, en un anuncio de Martini.



En consecuencia, el espectador se enfrenta a una sucesión de números musicales, más o menos acertados (los mejores, la canción "Be Italian", interpretada por la cantante Fergie, y el número de Kate Hudson), pero que les falta una unidad y cohesión para que sean las partes de un todo, convirtiéndose en una película que las partes son superiores al todo, provocando la desconexión con la historia y sus personajes.

Una pena que el material de base sea sólido, pero la ambición de Marshall, la convierta, no en una película horrible, ya que tampoco mata de aburrimiento, pero que entristece por ver lo que podía haber sido y no fue.

22 de enero de 2010

The Hurt Locker de Kathryn Bigelow.Reseña de actualidad.



He de comenzar esta crítica, poniendo en aviso al lector: no soy fan del cine bélico. En general, y excepto casos excepcionales, como "Platoon", de Oliver Stone, es un género, al igual que el western, con el que no comulgo, y que provoca mi desinterés. Os preguntaréis porqué entonces, me he interesado en ver una nueva muestra de este tipo de material, y las razones son dos: la primera, las alabanzas que está recibiendo alrededor del mundo este largometraje, convertido en el favorito de la crítica, y que si Dios, y Avatar no lo quiere, será la vencedora de los próximos Oscars, y segundo y más importante por su directora, Kathryn Bigelow, nombre que al público en general no le dirá nada, pero que es la autora de para mí, dos clásicos absolutos del cine de los 90, "Le llaman Bodhi" (horrible título en español, del original llamado "Point Break"),que es una genial y divertidísima película con un par de escenas de acción para enseñar en las escuelas de cine, y película referencia de la generación de los 90, y la olvidada y muy reivindicable "Días Extraños", magnífico ejemplo de ciencia ficción apocalíptica que representaba el miedo al inminente cambio de milenio en el momento de su estreno, 1995, y el temor a los avances tecnológicos y la alienación del ser humano debido a ellos. En ambos largometrajes, Bigelow demostraba un dominio de la planificación, montaje y dirección encomiable, y un ritmo frenético. Tras estas dos obras, tuvo dos errores seguidos, "El Peso del Agua", donde intentó aproximarse y demostrar que era capáz de hacer cine "arty", a lo Jane Campion con "El Piano", con resultados bochornosos, y la aburrida "K-19" con Harrison Ford.



En este, su último largometraje, Bigelow sigue demostrando su buen hacer tras la cámara, contándonos la vida y acciones de un grupo de marines norteamericanos en la Irak ocupada tras el derrocamiento de Hussein, con un tono cercano al documental, y es en esta aproximación, donde se encuentran los aspectos positivos y negativos del filme.

Sus aspectos positivos, son un excepcional prólogo, donde vemos como trabajan este grupo especializado, con explosivos resultados, y una primera hora muy buena,dirigida con pulso y tensión, aunque un poco repetitiva. En ella, Bigelow nos adentra en el día a día de estos soldados, encarnados en 3 personajes, miembros de la misma unidad y con caracteres muy diferentes entre sí, pero nunca del todo desarrollados. Por otra parte, la recreación de un Irak fantasmagórico y aterrador, donde cualquier figura y rostro es una amenaza, y cualquier ventana y callejón son un arma o una invitación a la muerte, sitúan perfectamente al espectador en el centro de la acción, siendo partícipe del miedo, angustia y desorientación de los personajes principales. Pero ahí se acaba lo bueno.


A partir de la primera hora de metraje, el filme empieza a demostrar sus carencias, y todo debido a un guión que no pasa de ser un conjunto de anécdotas sin una verdadera continuidad entre ellas, ya que realmente estamos viendo un noticiario, o un documental, y esto durante 30 minutos, máxime una hora, está bien, porque a partir de la hora, el espectador desconecta, y lo hace, porque no hay un hilo conductor de la historia, no hay un desarrollo en los personajes, no sabemos sus motivaciones, sus miedos, sus deseos, no sabemos nada de ellos, por lo que en ningún momento empatizamos con ellos, y la película acaba en un momento determinado, pero igualmente podía haber acabado media hora antes, o tres cuartos de hora antes, que daría igual.



Es una película donde el apartado técnico y de realización, mérito absoluto de Bigelow, es sobresaliente, pero el conjunto baja muchos enteros, porque el guión no tiene nada que contar. Sus defensores, rebatirán que es  como un documental, pero a estos les digo, que los documentales también tienen un guión, pasan por la mesa de montaje, e intentan que tengan un inicio, nudo y desenlace, o conclusiones, y esto es de lo que carece esta película. Una pena, porque la dirección de Bigelow se merecía un material de base mucho mejor.



Por cierto, y como apunte para los fans de la serie "Lost", entre los que me incluyo, destacar la brevísima aparición (2 escenas y 3 frases contadas tiene), de la actriz Evangeline Lily, Kate en la serie, y también apariciones estelares de Guy Pearce(protagonista de Memento) y Ralph Fiennes, en breves papeles.
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