31 de julio de 2010

El Equipo A de Joe Carnahan. Reseña de actualidad.



El Equipo A de Joe Carnahan (The A-Team, 2010).

La adaptación de una de las más famosas pero peores series de los años 80, querida por el público por una nostalgia mal entendida ya que la serie era infame, se convierte en una de las sorpresas de la temporada veraniega.



La película es una correcta película de acción que bebe de éxitos del cine de acción de la últimas décadas como la saga Bourne y Mision:Imposible creando un divertimento de casi dos horas, que en ningún momento se hace pesado, sabiendo equilibrar unas exageradas pero muy divertidas y bien planificadas escenas de acción (sobre todo la escena del helicóptero del prólogo del filme y la escena del rascacielos y el maletín) con el drama y la comedia adecuadas.



La película readapta el origen de estos iconos de los 80, trasladándolos a la época actual (esta vez no son veteranos de Vietnam, sino de la 2º guerra del golfo) narrándonos justo aquello que nos contaban en los créditos de la serie de televisión. Por supuesto otro de los méritos de la película es el acertado casting, sobre todo un Liam Neeson (con un maquillaje algo cómico que recuerda a las imitaciones de Joaquín Reyes en Muchachada Nui) interpretando un Hannibal Smith superior al interpretado por el insoportable George Peppard y Bradley Cooper como Fenix (absurda traducción del original Faceman) también muy superior al limitado Dirk Benedict de la serie original. El resto del reparto está correcto excepto el personaje de Patrick Wilson que está excesivamente sobreactuado.



Joe Carnahan dirige con pulso firme pero de manera impersonal un espectáculo pirotécnico que sobresale sobre el resto de producciones veraniegas. No es ninguna maravilla pero no insulta a la inteligencia del espectador. Una buena película de acción para una calurosa tarde de verano. Ni más ni menos.

30 de julio de 2010

Madman Atomic Comics de Michael Allred. Reseñas comiqueras de actualidad.


Madman Atomic Comics vol. 1 al 3 de Michael Allred y Laura Allred (Madman Atomic Comics 1 al 17 USA).

Michael Allred es uno de los autores más inclasificables de la escena comiquera actual. Autor de absoluto culto, narrador de primera, enamorado del noveno arte y querido por una pequeña pero leal legión de fans. Aunque ha trabajado para las dos grandes (Marvel y DC), siempre ha elegido sus proyectos con mimo y aquellos que podrían considerarse inusuales. Y sobre todo será recordado por ser el creador y artífice de uno de los cómics fundamentales de los últimos 20 años: Madman.



Madman es una serie igual de inusual que su creador y esta serie a reseñar es la última aportación de Allred a su creación más querida. Intentar definir el argumento de una serie como la que nos ocupa sería una tarea ardua y absurda. Yo la definiría con el término de existencialismo pop.



Allred utiliza su serie (una mezcla de ciencia ficción de los años 50 con el delirio ácido de los años 60) para expandir el lenguaje del cómic hasta límites insospechados. Allred experimenta con el lenguaje del cómic, haciendo que un número sea una enorme splash page secuencial, hasta un episodio en el que el personaje avanza a través de la historia de los cómics y sus múltiples estilos y autores para encontrarse a sí mismo.



Porque ese es el tema principal de la serie. ¿Quiénes somos? ¿Somos nuestros recuerdos, o nuestros recuerdos y nuestro propio ser son consecuencia de la impresión y percepción que dejamos en los demás? Nuestro protagonista es Frank Einstein un hombre sin pasado y amnésico que es reconstruido por una pareja de científicos y comienza una nueva vida. Una nueva vida donde encuentra el amor y la amistad en un grupo de auténticos freaks e inadaptados que se convierte en su nueva familia.



Contado así puede parecer que nos encontramos ante un cómic espeso. Pero nada más alejado de la realidad. Dentro de Madman cabe de todo, desde absurdas pero entrañables aventuras en el espacio exterior, a casas encantadas, un picnic o encuentros con bandas de rock. Todo ello acompañado de un envoltorio gráfico de primerísima calidad que demuestra que Allred es uno de los autores con mayor talento de la historia del cómic.



Madman nunca ha tenido suerte en nuestro país. Fue editada su segunda serie por Norma haya por 1995 sin ningún éxito y Planeta intentó editar la serie en bellos recopilatorios idénticos a los editados en los últimos años por la editorial Image sin ningún éxito. Una pena que series de la calidad de esta queden olvidadas o ninguneadas  a favor de colecciones de menor calidad pero mayor éxito popular. Si os interesa, no dudéis en comprarla de importación. Será una gran adquisición para vuestra colección de cómics.

29 de julio de 2010

Thor: El Trailer.

ACTUALIZACIÓN 03-08-10: El vídeo ha vuelto a ser eliminado por segunda vez. En cuanto aparezca el trailer oficial de la propia Marvel, será colgado de nuevo.


Thor - Los 5 minutos de la Comic - Con
Cargado por cine365. - Todas las temporadas y episodios enteros online.

Al fin tenemos el trailer extendido, emitido en la ComicCon de una de las películas más esperadas del verano que viene, la adaptación cinematográfica del famoso cómic de la Marvel. Tras ver las imágenes del espectacular trailer, parece que tenemos una mezcla entre el Iron Man de Jon Favreau con una tragedia shakesperiana que le viene que ni pintado al estilo de Kenneth Branagh, más los psicodelia estética del mejor Kirby. El año que viene promete mucho.

Pesadilla en Elm Street: El Origen de Samuel Bayer. Reseña de actualidad.



Pesadilla en Elm Street de Samuel Bayer (A Nightmare on Elm Street (2010)).

En 1984, Wes Craven, director de cine de terror con películas como "La Última Casa a la Izquierda" y "Las Colinas Tienen Ojos" (ambas con su remake correspondiente en esta última década) además de posteriormente la famosa saga "Scream", revolucionó el subgénero de los "slasher" en la década de los 80, con una película de bajo presupuesto pero toneladas de ingenio con la historia de un asesino fallecido que se vengaba de los hijos de aquellos que le mataron, asesinándolos en sus sueños. La película inmediatamente se convirtió en un éxito popular, generadora de 7 secuelas y un crossover inclasificable con Jason (el de Viernes 13), convirtiendo a Freddy Krueger en un icono del cine de los 80 y de la cultura popular. Por supuesto, cada secuela fue peor que la anterior y la saga fue bajando su calidad, aunque merecía la pena verlas por los avances que cada película tenía en cuestiones de efectos protésicos, cuando el cine no había sido inundado por los efectos digitales.



El original visto en la actualidad sigue aguantando el tipo, gracias a ese ambiente onírico e irreal que Craven consiguió imprimir en la producción, destacando a Robert Englund recreando a un terrorífico Freddy antes de que las secuelas le convirtieran en un payaso, la efectiva dirección de Craven y una memorable y escalofriante banda sonora de Charles Bernstein, además de un puñado de imágenes para el recuerdo.



Ahora en el 2010 y tras los éxitos de los remakes de La Matanza de Texas (la única buena del lote), Terror en Amityville y Viernes 13, el inefable Michael Bay a través de su productora, intenta asustar a los jóvenes del siglo XXi, con una nueva aproximación a la figura de Freddy Krueger, supuestamente más acorde con los tiempos que corren y más oscura y realista.



El resultado es un remake excesivamente fiel al original en cuanto a estructura y desarrollo, tanto que el seguidor de la saga y sobre todo de la primera parte verá como el remake calca sin ningún tipo de reparo las escenas más memorables del clásico de los 80 (la muerte de la primera víctima de Freddy en su habitación volando por los aires, la escena del cadáver en la bolsa en el instituto, el "susto final" que es idéntico al del final del original).



Pero todo esto lo hacen sin ningún tipo de originalidad, sin gracia, sin ganas. Es patético que 25 años después de la original no hayan sido capaces de intentar algo novedoso, con un personaje y una situación (el mundo de los sueños) que en manos competentes podría dar mucho de si. No hay una sola idea original a lo largo de toda la trama, todo discurre sin ningún tipo de pasión, eso sí, con un estilo videoclipero totalmente cuidado marca de la casa Bay pero artificial como pocos. Por supuesto intentan "asustar" al espectador con golpes de efecto basados en el sonido, sustos baratos que provocan en el espectador la misma reacción que cuando ves la televisión y te sobresaltas por el sonido de los anuncios que siempre está más alto. El director desaprovecha escenas a priori terroríficas, ya que el espectador está cien pasos por delante de él, con un Freddy Krueger que mata a sus víctimas antes de aburrimiento que con sus garras, por las largas parrafadas que este Krueger le suelta a sus presas.



Porque este remake también falla en la recreación del famoso asesino. El encargado de interpretarlo es el magnífico actor Jackie Earle Haley (el famoso Roscharch de la adaptación de Watchmen), pero poco puede hacer con unos diálogos y situaciones tan endebles y un maquillaje supuestamente más realista pero infinitamente peor y menos icónico que el de la saga original.

El único toque original del relato es contarnos en profundidad el origen de Krueger, algo que se contaba en off en la Pesadilla original, convirtiendo a Krueger no solo en un asesino de niños sino que también en un violador, además de que las víctimas del asesino de los sueños fueron ya víctimas del Krueger del mundo real, cosa que en el original no, ya que este se vengaba de los hijos de aquellas personas que le quemaron.



El resto de la película lo único que hace es dilapidar los aciertos del filme original. En el original de Craven, el hogar de la virginal heroína Nancy se convierte en la versión de barrio residencial de la casa encantada, opresiva y angustiosa jugando un papel crucial en el desarrollo de los acontecimientos, además de convertirse a lo largo de las secuelas en un icono de la mitología de la serie. En el remake es un elemento más de la película sin ningún valor. La figura de la madre de Nancy, elemento fundamental en el original, en esta se convierte en un elemento casual, sin ningún tipo de valor para el desarrollo de la trama, pero que han incluido porque sus artífices no se han atrevido a eliminar a ninguno de los personajes del original, pero sin saber el porqué de la necesidad de dichos personajes.



Mención aparte a las escenas de los asesinatos de Krueger en el mundo de los sueños, siendo en la saga original los puntos álgidos de los largometrajes por su originalidad y puesta en escena, convertidos en el remake en rutinarias escenas de asesinato sin tener en cuenta el potencial de que estos ocurran en los sueños, como si conseguían en las películas originales.

En definitiva, un remake innecesario y aburrido, que convierte a Freddy Krueger en un asesino vulgar y que no aporta nada nuevo a una franquicia excesivamente explotada. Miedo 0, bostezos 10.

28 de julio de 2010

Rasl vol. 1 y 2 de Jeff Smith. Reseñas comiqueras de actualidad.




Rasl vol 1: The Drift y vol. 2: The Fire of St. George de Jeff Smith (Rasl 1 al 7 USA).

La nueva obra del creador de la maravillosa Bone es un cambio radical en la obra de Jeff Smith. Tras la luminosidad y optimismo de Bone, Smith nos adentra en Rasl, en un mundo oscuro y de ciencia ficción noir, basado en elementos de la realidad (los experimentos de Nikola Tesla, el experimento Philadelphia) para contarnos la historia de Rasl, un ladrón de obras de arte que tiene la capacidad de viajar a través de realidades paralelas. Y hasta aquí puedo leer.



Smith vuelve a demostrar el absoluto dominio del lenguaje y la narrativa del 9º arte, tanto en guión como en dibujo. El guión de Rasl es un perfecto encaje de bolillos, donde el autor sabe perfectamente a donde se dirige, sabiendo desgranar con auténtica precisión la información que quiere aportar al lector número a número. No hay tiempos muertos, cada escena y cada número sirve para un fin concreto y nada de lo que nos cuenta es paja.



El dibujo de Smith sigue siendo tan magistral como siempre, manteniendo su estilo cartoon limpio, pero dándole un giro hacia el cine negro, haciendo un uso de las luces y las sombras absolutamente magistral.



Poco más puedo contar si no quiero estropear las múltiples sorpresas que esperan al lector en Rasl. Solo decir que Rasl no es solo una historia de ciencia ficción, sino también una historia de la soledad, la traición entre amigos, el amor y la codicia humana. Smith demuestra con este nuevo proyecto que no es autor de una sola obra y que sus registros son ilimitados. La única pena es la cadencia de la serie, que en tres años ha publicado únicamente 7 números. Pero Smith se lo puede permitir, sobre todo si sigue entregando cómics de tan alta calidad. Imprescindible su publicación en España.

27 de julio de 2010

"Sucker Punch". Trailer de la nueva película de Zack Snyder.



Impresionante el trailer de la nueva película del director Zack Snyder. Una mezcla del lenguaje de los videojuegos, el anime y el cómic que seguramente no dejará a nadie indiferente. Con títulos como este y "Tron:Legacy" parece que la temporada 2010-2011 se presenta interesante.

El Traje del Muerto de Joe Hill. Reseña literaria.



El Traje del Muerto de Joe Hill (Heart-Shaped Box, 2007).

"El traje del muerto" (horrible traducción al español de la novela originalmente llamada "Heart-Shaped Box") es la primera novela del novelista Joe Hill, hijo de Stephen King (el seudónimo le honra), tras varios relatos cortos de terror (es hijo de su padre) posteriormente recopilados en la novela escuetamente titulada "Fantasmas".

El traje del muerto viene precedida del prestigioso galardón Bram Stoker a mejor novela novel y de las magníficas reseñas de autores como Neil Gaiman que equipara el debut en la novela del hijo de King, con la primera novela de Clive Barker, el autor de terror más importante de los años 80 con permiso de King padre. Palabras mayores.

¿Y qué te encuentras tras todas esas alabanzas cuando te leas el libro?....Nada de todo eso. Hill entrega una novela de 400 páginas con una premisa más que interesante (una ex-estrella de rock interesada en el esoterismo compra a través de una subasta por internet el traje de un hombre muerto para poseer un fantasma. El problema es que el fantasma es alguien relacionado con el pasado del protagonista y lo que quiere es matarle). La premisa que funcionaría muy bien para un relato corto es alargado innecesariamente para tener las páginas necesarias para todo best-seller que se precie, lo que provoca que la novela tenga unas considerables caídas de ritmo que hacen que la lectura de la novela, aunque rápida, no te tenga interesado en ningún momento, en una trama que se antoja previsible una vez pasas las primeras cien páginas del libro.

Hill intenta adornar un producto insípido con descripciones absurdas, historias del pasado de los personajes, que bien le pueden servir a él como "background" de los personajes, pero que al lector no interesan en absoluto ya que los acontecimientos que desvela no son interés para el curso de los acontecimientos.

Pero lo más importante que tiene que tener una novela de terror es que de miedo y esta no lo provoca en ningún momento y esto es debido a que la persecución del espectro a la pareja protagonista no tiene el ritmo ni la angustia que debería tener para provocar una sensación de desasosiego al lector y todo ello es debido a una estructura endeble en la que hay demasiados tiempos muertos.

En definitiva, un libro para leer y olvidar cuya única ventaja es que se lee muy rápido, pero que se borra de tu recuerdo en el momento mismo que pasas la última página.

26 de julio de 2010

Zetman 13 de Masakazu Katsura. Reseña comiquera de actualidad.



Continúa la colección de uno de los maestros actuales del manga, Masakazu Katsura, más conocido por su obra I's. En Zetman, Katsura cambia radicalmente de género y tono, en un manga que según el autor es su respuesta/homenaje a su querido Batman. Excepto el tono oscuro y siniestro, aunque con algún tinte de humor marca de la casa del autor, Zetman poco tiene que ver con las aventuras del Caballero Oscuro, en una trama de ciencia ficción, con elevadas dosis de violencia y sexo. Entretenido manga, aunque a Katsura se le da mejor la comedia de situación (los mejores momentos de Zetman), ahora que parece que llega a su recta final demuestra que Katsura es un magnífico autor para la creación de personajes entrañables, pero la irregular periodicidad de la edición hace que no se siga con el interés que a lo mejor se merece. Será interesante leerla una vez acabada del tirón. 

Por supuesto, Katsura sigue demostrando que es un genio a los lápices, con un dominio absoluto tanto en el diseño de personajes, como en la composición de página, haciendo que las más de 200 páginas que contiene cada tomo se lean en un suspiro. Uno de los mejores mangas de la actualidad.

25 de julio de 2010

Clásicos DC: Batman nº 4. Reseñas comiqueras de actualidad.



Clásicos DC Batman nº 4 (The Untold Legend of Batman 1 al 3, Detective Comics 492 al 497 y Batman 328 y 339 USA).

Nuevo volumen de la colección que Planeta edita recopilando las aventuras del Hombre Murciélago entre 1977 y 1987, material que la gran mayoría de él ha estado inédito en nuestro país. Como ejemplo en este tomo, destacar la publicación de la primera mini-serie de Batman en 1980, cuando el concepto de serie limitada no existía. La serie de tres números tiene únicamente ese valor arqueológico y el estar inédita en nuestro país hasta la fecha. Sus autores son Len Wein a los guiones y John Byrne (únicamente el primer número) y Jim Aparo. La mini-serie fue una manera de recontar el origen de Batman a los lectores de principios de los 80. Destacar el pasado de Alfred y poco más, pero como curiosidad, fue la primera vez hasta el reinicio de la franquicia de Batman por Christopher Nolan, que se intentó dar una explicación plausible de como Bruce Wayne se convirtió en Batman y posee todos esos aparatos.

El resto del volumen contiene números de las colecciones regulares de Batman y Detective Comics, guionizados por artesanos como Cary Burkett, Michael Fleisher y Marv Wolfman. Curioso que el mejor de los tres, Wolfman, artifice de buenos tebeos como La Tumba de Drácula, Nuevos Titanes y la clásica Crisis en Tierras Infinitas, entregue los peores cómics del conjunto. El resto son tebeos correctos, pero que solo tienen valor para el completista del murciélago.

Mención aparte para el último número que contiene el tomo, un homenaje al maestro Will Eisner en forma y en fondo y el trabajo a los lápices del todoterreno Don Newton, un magnífico autor que no se le ha reconocido como se merece.

Invincible Ultimate Collection 5 de Robert Kirkman y Ryan Ottley. Reseñas comiqueras de actualidad.


Invincible Ultimate Collection volume 5 de Robert Kirkman y Ryan Ottley (Invincible 48 al 59 y Ashtounding Wolf-Man 11 USA).

Quinto volumen recopilatorio de una de las mejores series de superhéroes de la actualidad, creada y guionizada por uno de los mejores talentos que han surgido en el cómic americano en la última década, autor también de otra serie imprescindible de la actualidad, "Los Muertos Vivientes".




Kirkman consigue en esta colección el cómic de superhéroes perfecto, mezclando en su protagonista, las características de dos iconos y dos maneras de entender el género superheróico, Superman y Spiderman. De Superman, Invencible comparte el ser un héroe con poderes ilimitados y de Spiderman el tono ligero de adolescente intentando compaginar su vida de salvador de la humanidad con los problemas más mundanos de un adolescente. Pero ese tono ligero en apariencia consigue que el lector quede más impactado con los numerosos momentos de violencia y drama que el cómic contiene y que Kirkman, como gran prestidigitador que es sabe introducir en el momento adecuado, consiguiendo que el lector de Invencible no sepa nunca por donde va a tirar la serie, que nunca se queda quieta ya que está en constante evolución.




Otro punto a su favor y que la convierte en una de las mejores series de la actualidad es su excelente plantel de personajes secundarios que tienen la misma importancia y están igual de bien desarrollados que su personaje principal, tanto el entorno mundano del protagonista, el resto de héroes que habita el universo de Invencible, que hace palidecer tanto a Marvel como DC tanto en profundidad como en coherencia interna y su fantástico plantel de villanos.




Con todos estos ingredientes, Kirkman consigue que Invencible entretenga, emocione, rías, llores y que la lectura de su serie se haga en un suspiro, deseando que salga el siguiente volumen de la serie, volúmenes recopilatorios publicados en USA que recomiendo encarecidamente a cualquier persona que quiera adquirir la colección, ya que aparte de su envoltorio de lujo (sobrecubierta, cartoné, papel de alta calidad) y contener cada volumen más o menos un año de la colección, contiene al final de cada tomo unas 100 páginas de extras comentados por el propio Kirkman y el dibujante Ryan Ottley, donde ambos autores cuentan al lector el proceso artístico detrás de cada número de la colección, con multitud de bocetos, páginas a lápiz y páginas de guión. Todo ello por unos meros 35 dolares.




Y me dejo para el final, al otro gran artífice de que Invencible sea la gran colección que es, Ryan Ottley, el cual no fue el primer dibujante de la colección, pero que ha conseguido imprimir a la serie, un estilo único. Ottley mejora mes a mes, dando espectacularidad cuando es necesario (fantásticas splash pages), pero que también sabe narrar en imágenes escenas de la vida cotidiana. Todo ello con un estilo limpio y elegante.




Así que todo aquel que todavía no haya puesto sus manos en un ejemplar de esta colección, le insto a que la compre inmediatamente. Igual de buena o mejor incluso que la otra gran y más famosa obra de Kirkman, Los Muertos Vivientes. Ambas dos diferentes, pero ambas dos magistrales.

23 de julio de 2010

Tron Legacy. Nuevo trailer directo desde la Comicon de San Diego.


Sin palabras. La película de las navidades y un regalo para los fans de ese clásico de culto injustamente incomprendido en el momento de su estreno, en 1982. La película de las navidades.

22 de julio de 2010

Ultimate Comics Avengers: Next Generation. Reseñas comiqueras de actualidad.


Ultimate Comics Avengers: Next Generation HC de Mark Millar y Carlos Pacheco (Ultimate Comics Avengers 1 al 6 USA).

Estamos de enhorabuena. Mark Millar ha vuelto a su mejor creación (con permiso de su etapa en The Authority con Frank Quitely), tras el desastre que fue la etapa del infausto Jeph Loeb (¿qué le ha pasado a este hombre?) y el dibujante Joe Madureira. Reconozco que solo pude leer dos o tres números de esa etapa y tuve que parar para no arrancarme los ojos.




Tras los eventos de la saga Ultimatum que parece (ya que no tengo ningún interés en leerlo ya que está orquestado por el antes mencionado Loeb) ha hecho tambalear los cimientos del universo Ultimate, Millar ha vuelto por la puerta grande. De nuevo estamos ante la versión ultimatizada de Los Vengadores que todo fan quería seguir leyendo, tras las dos magníficas etapas que realizaron al unísono Millar y el dibujante Bryan Hitch. De nuevo somos testigos de como debe realizarse un tebeo de superhéroes para la audiencia del siglo XXI. Espectacular, conceptos novedosos, irreverencia, guiños a la cultura de masas. Todo ello aderezado con escenas de acción espectacular que no desmerecen a cualquier superproducción de Hollywood. Esta saga que nos ocupa, en la que seguimos la persecución de un grupo de Vengadores encubiertos liderados por un expulsado Nick Furia a un Capitán América renegado en busca de un Ultimatizado Cráneo Rojo al que le unen vínculos familiares sería una mezcla del Cameron de antaño con las aventuras de Jason Bourne.




Millar hace disfrutar al lector desde la primera página, con una historia inteligente y entretenida, donde el guionista vuelve a demostrar su capacidad de reinvención de personajes sobre-explotados convirtiéndoles en algo novedoso y nunca visto, todo ello con el tono irreverente y macarra que solo Millar sabe utilizar como nadie.




A destacar la nueva y terrorífica versión de Cráneo Rojo, la nueva Avispa y su triste pasado, el fascista Máquina de Guerra, un misterioso "Spiderman" que realiza un cameo y que seguro dará que hablar en próximas entregas y sobre todo Gregory Stark, el hermano más listo de Tony Stark, que tiene las mejores líneas de diálogo de toda la serie.




Realza el acabado final, los lápices de nuestro primer dibujante autóctono exportado a Marvel, Carlos Pacheco, con su estilo limpio y dinámico, que empieza a lo mejor algo acartonado (culpa de ello también es el baile de entintadores que tiene la colección, que le hace flaco favor a veces al propio Pacheco) pero que mejora número a número.




En definitiva, el cómic de superhéroes por excelencia de superhéroes del siglo XXI. Si quieres pasar un buen rato sin mayores complicaciones, este es tu tebeo.

Toy Story 3 de Lee Unkrich. Reseña de actualidad.


Toy Story 3 de Lee Unkrich (2010).

Genial. Esta es la palabra que define la última producción de Pixar Studios, la tercera parte de la película que cambió el cine de animación contemporáneo, introdujo la animación 3D en nuestras vidas (para lo bueno y para lo malo) y convirtió a Pixar en los nuevos reyes midas del cine.

No soy de los que alaban a Pixar cada vez que respiran. Considero que son el mejor estudio de animación de la actualidad, a años luz del resto y la respuesta contemporánea a lo que fue Walt Disney en los años 40. Reconozco que cada película que realizan está cuidada hasta el más mínimo detalle y que en líneas generales no han hecho nada que se merezca el calificativo de bodrio. Pero también debo decir que las alabanzas que en general recibe este estudio son desmedidas. Sus dos anteriores trabajos, "Wall-E" y "Up" son dos buenas películas, pero no la obra maestra que dicen por ahí, por la sencilla razón, que ambas películas tienen un planteamiento inicial y una primera media hora que alcanzan la perfección, pero el desarrollo posterior no está a la altura del planteamiento, aparte que son películas que intentan ser más de lo que realmente son.





Pero con este Toy Story 3 me rindo a sus pies por varias razones. La primera y más importante es por su apariencia de película intrascendente pero que en el fondo tiene mucho más de lo que aparenta a simple vista. El tono de este largometraje (2 horas que se pasan volando) es totalmente crepuscular y aunque los niños se lo pasarán en grande, gracias a su ritmo endiablado y sus geniales e ingeniosos gags, creo que los adultos que seguimos teniendo algo de niños la disfrutaremos el doble, ya que toca la fibra sensible con su homenaje a la infancia y lo doloroso que es el desprenderse de las cosas que amas y seguir adelante.




Pero todo ello nos lo cuentan envuelto en una aventura que no desmerece en emoción, suspense, aventuras e incluso algún momento terrorífico a cualquier aventura de Indiana Jones. Súmale a esto el carisma de unos personajes que se han convertido en iconos culturales y un final que hará saltar las lágrimas a cualquier persona con sangre en las venas.




De la animación no hablo, porque Pixar malacostumbrados que nos tiene, vuelve a demostrar al resto de empresas de animación digital que todas ellas están a años luz del genio de Pixar que se supera largometraje a largometraje, sin visos de que la mejora acabe.




Por fin el primer blockbuster veraniego que hace honor a su nombre, una película de calidad para toda la familia, seguramente una de las mejores películas del año y Oscar asegurado a mejor película de animación en 2011. No os la perdáis bajo ningún concepto.

21 de julio de 2010

The Dark Tower: The Gunslinger Born y The Long Road Home. Reseñas comiqueras de actualidad.



The Dark Tower: The Gunslinger Born y The Long Road Home de Robin Furth, Peter David, Jae Lee y Richard Isanove.

Si eres de los que como yo nos hemos quedado con mono de seguir leyendo historias del universo de La Torre Oscura y de saber más sobre Roland el Pistolero y su ka-tet, sobre todo de la época entre los acontecimientos narrados en la cuarta novela "Mago y Cristal" y el principio de la saga, esta es tu colección.



Stephen King ha cedido los derechos de su obra magna a Marvel Comics para que puedan contar la historia pasada de Roland, acontecimientos que en las novelas se mencionan pero que no se desarrollan. A los mandos de este proyecto, King ha puesto a su hombre de confianza, Robin Furth, autor del libro "The Dark Tower: A concordance", donde Furth puso en orden todo el universo creado por el propio King. Como co-guionista, encargado de los diálogos de los personajes, tenemos al famoso Peter David y en labores gráficas, el equipo formado por el dibujante Jae Lee, que imprime al cómic un estilo elegante y muy característico, aunque los fondos a lo mejor deberían estar algo más trabajados y el magnífico colorista Richard Isanove que ayuda aún más a imprimir ese carácter cinematográfico a esta traslación al cómic de los famosos personajes de King.



He leído los dos primeros volúmenes de cinco que hay publicados hasta la fecha. El primero, "The Gunslinger Born" es una mera traslación de la novela "Mago y Cristal" al cómic. Correcta y necesaria obra, que sintetiza la novela, pero que no aporta nada nuevo a lo narrado en el libro. Pero donde empieza lo bueno es en el siguiente volumen, completamente original, donde se nos narra la huída de Roland y su ka-tet después de la muerte de Susan Delgado, algo que King no había contado en sus novelas. Gracias a esta adaptación, podemos conocer más de Alain y Cuthbert, los miembros del primer ka-tet de Roland, los extraños lazos de sangre entre el Rey Carmesí y Roland y lo que le ocurrió a Shmee tras lo acontecido en el final de "Mago y Cristal".



Obra absolutamente recomendable para los fans de las novelas de King, pero que no recomiendo a nadie que no se haya leído primero los libros. Yo lo intenté en su momento, y pare la lectura de los cómics, ya que no entendía nada de lo que me estaban contando, es tal la cantidad de conceptos y personajes que engloban las novelas. Mi recomendación, leed sin dudar las 7 novelas que componen la saga de la Torre Oscura y justo después, comenzad la lectura de estos cómics. Entraréis en un mundo que nunca habéis visto y quedaréis atrapados para siempre. A mi me ha pasado.

Thor y Capitán América: Concept-Arts.






Pocos días antes de que comience la Comic-Con en San Diego, Marvel Studios nos muestra dos diseños de producción de dos de las películas más esperadas del verano de 2011, Thor de Kenneth Branagh y Capitán América de Joe Jonhston. Los diseños son prometedores, más el de Thor que el Capitán América para mi gusto, aunque habrá que esperar a los trailers de ambas producciones para ver si el resultado final está a la altura de estos diseños.

20 de julio de 2010

Batman de Tim Burton. Revisionados



Batman de Tim Burton (1989).

Para todo fan de los cómics, si se le preguntara por el año 1989, lo primero que le vendría a la cabeza es "Batman", la película de Tim Burton. Hace 20 años, que un gran estudio se dispusiera a realizar una película de gran presupuesto basada en un personaje de cómic era casi una utopía. El único ejemplo había que buscarlo 11 años antes, cuando Warner estrenó el largometraje de "Superman" de Richard Donner. Pero aunque la película fue un éxito, no consiguió que se convirtiera en una tendencia. Por lo que el anuncio de que se iba a realizar una gran producción de las aventuras del hombre murciélago fue recibida con los brazos abiertos. Además había que sumarle, la aparición 3 años antes de Batman Dark Knight de Frank Miller, que sumado al Watchmen de Alan Moore hizo que el público y los medios (en menor medida que en la actualidad) prestaran atención a una afición y a un arte que era una gran desconocida. Para rematar, en 1989 se cumplían 50 años de la creación del personaje. La ocasión era propicia para que la película fuera un éxito, pero nadie se esperaba el recibimiento que iba a tener.



La película se estrenó el 23 de junio de 1989 en Estados Unidos (en España tuvimos que esperar hasta el 29 de Septiembre), pero el primer trailer se estrenó en Marzo en Estados Unidos, lo que hizo que la gente fuera al cine únicamente a ver el trailer de la película, sin importarle la película que se proyectaba a continuación, ya que la mayoría de la gente se iba tras la proyección del trailer (eran tiempos pre-internet). Las imágenes, que aquí se proyectaron en el Salón del Cómic de Barcelona, no hicieron más que aumentar las ansias de ver el filme. Las dudas iniciales de la elección de Michael Keaton como Batman, quedaron solventadas al verle vestir la armadura del murciélago. El toque de prestigio lo daba un Jack Nicholson caracterizado de Joker. El remate fue un diseño de producción asombroso, heredero de Blade Runner y que mostraba una Gotham City muy alejada de la serie de los años 60, oscura y sombría. El director era un cuasi-desconocido Tim Burton que tenía en su haber dos películas, la más conocida Bitelchus, estrenada el verano anterior y que había tenido un correcto devenir en la taquilla, dando a conocer a un joven realizador que apuntaba maneras, original y con un estilo visual propio y sorprendente.



El resto es historia, la película fue un éxito absoluto de taquilla y provocó una Batmanía sin precedentes en la historia del personaje. El retraso en España de tres meses fue insoportable para un servidor y el día de su estreno quedó marcado con letras de oro en mi memoria. Tras su estreno la vi cientos de veces y la película  y su estilo inspiró a muchas producciones posteriores de la época, aparte de reinventar el concepto de blockbuster.



Pero 21 años después, la pregunta a hacerse es...¿ha aguantado el paso del tiempo? ¿fue lógica la locura colectiva que se creó alrededor del filme gracias a una excelente campaña publicitaria? La respuesta es NO pero con reservas.



Visionar la película 21 años después de su estreno, demuestra las grandes carencias de la película, pero también  sus múltiples aciertos. Entre sus múltiples aciertos, habría que destacar varios aspectos. Lo primero de todo, su excelente diseño de producción galardonado con uno de los Oscars más merecidos de la historia del cine, del fallecido (se suicidó) artista Anton Furst. Furst, mano a mano con Burton mezclaron el estilo de los cómics, con un toque de Blade Runner, más un poco de expresionismo y futurismo alemán, dando como resultado la Gotham City que sería el espejo ante las que el resto de adaptaciones de Batman tendrían que enfrentarse a parte de influenciar a la propia Gotham de los cómics. Una Gotham oscura y sucia pero también luminosa y pop. Las bondades de los decorados fueron aumentadas por el resto de elementos, tales como el fastuoso Batmóvil, también diseñado por Furst, elegante e intimidante, convirtiéndose en el Batmovil supremo, nunca mejorado y ni siquiera igualado. El vestuario de Bob Ringwood también fue excelente, destacando la armadura del hombre murciélago que lo convertía en una auténtica criatura de la noche. En definitiva el nivel visual de la película se merece las más altas condecoraciones. Mención aparte merece la excepcional banda sonora de un por entonces desconocido Danny Elfman, que podría considerar el mejor score realizado para una película en la historia del cine, realzando y siguiendo al milímetro cada escena de la película, mejorándola, con un score épico y un tema principal absolutamente magistral, aunque puestos a elegir un corte, me quedo con "Descent Into Mistery" (el momento en que Batman llega a la Batcueva con Vicki Vale).



Pero el problema de la película es que es todo estilo pero nada de sustancia. El guión, que podría estar escrito en una servilleta de papel, es tonto y simple. Todo ocurre porque sí, no existe una progresión narrativa, no hay emoción, únicamente el espectador se sienta a ver una progresión de imágenes a cual más impactante pero sin un hilo narrativo (un problema que Tim Burton lleva arrastrando toda su carrera, excepto cuando colaboraba en los guiones Caroline Thompson). Pasado el impacto visual, la película se hace cuesta arriba. A lo largo de las dos horas de metraje hay muchas escenas para el recuerdo (la primera aparición de Batman en el tejado con los ladrones, la escena de la fábrica Axis donde nace el Joker, el rescate de Vicki Vale por Batman en el museo y si posterior huída y entrada en la batcueva y el ataque del Batwing en el 200 aniversario de Gotham), pero lo que las une es demasiado débil. Culpa de esto es el baile de guionistas que tuvo el filme, quitando y poniendo escenas sin ton ni son, y permitiendo que Jack Nicholson robara la película con un exceso de escenas para su propio lucimiento (además en ningún momento de la película ves al Joker sino a un Jack Nicholson sobreactuado haciendo de si mismo, pero con la cara pintada y el pelo teñido), las cuales son muchas para destacar aquí, pero digo dos que son de traca (el bailecito al son de la canción de Prince "Partyman" cuando Joker entra con sus secuaces en el museo (de verguenza ajena) y el bailecito de Nicholson en la pseudo-cabalgata de reyes del final de la película al ritmo de "Trust" de Prince). El problema con la omnipresencia de Nicholson en el largometraje es que deja poco espacio al resto de personajes y aspectos que se insinuan en la trama se resuelven de manera chusca y sin interés.



Michael Keaton está más que correcto tanto como Bruce Wayne como de Batman (uno de los aciertos de Burton es esa sensación de que Wayne/Batman está completamente desconectado de su entorno, algo que comparten todos los protagonistas de todas las películas de Burton), aunque el peluquín que le colocan chirría un poco. Kim Basinger (sustituyendo a la prevista Sean Young que tuvo que abandonar la producción tras un accidente en el set de rodaje) está horrible como actriz y su personaje también es de traca. El resto del reparto está, aunque para lo bueno habría que destacar a Michael Gough como un perfecto Alfred y para lo malo a Robert Whul, horrendo humorista que interpreta al reportero Alexander Knox y a los secuaces del Joker en general y en particular al que interpreta al secuaz Bob. En tierra de nadie se queda Pat Hingle, como un comisario Gordon demasiado mayor para estar contando los inicios del murciélago y que demuestra que el jefe Wigum de los Simpsons es un trabajador como la copa de un pino al lado de una policía de Gotham que no hace nada a lo largo de todo el largometraje, incluso cuando un probado asesino y criminal (el Joker) avisa públicamente en la televisión que va a regalar dinero en el desfile del aniversario de Gotham.



Pero el error más garrafal de la película es el convertir al Joker en el asesino de los padres de Batman. Se que es una adaptación libre del personaje, pero poner un rostro al asesino de los padres de Wayne es acabar con el personaje. Batman está obsesionado en cazar criminales porque en el rostro de cada uno de ellos ve al asesino de su familia. En el momento que tiene rostro y es capturado la misión del personaje y su razón de ser se desvanece. Muerto el perro se acabó la rabia.



Tras este repaso a la película, podría parecer que me parece abominable, pero hay que verla en el contexto de su época y aunque el tiempo no ha pasado bien por ella, al contrario que con su muy superior secuela, es un ejemplo de un tipo de cine que ya no se hace, de una película que fue diferente (en lo bueno y en lo malo) a lo que se hacía en ese momento y que nos descubrió a un genio (ahora en horas bajas) que empezó a demostrar lo que sería unos pocos años después. Batman inauguró una nueva edad de oro en las adaptaciones de cómics haciendo ver a Hollywood y al público en general que era un material a tener muy en cuenta. Solo por eso, merece estar en el recuerdo.

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